Quando la scrittura diventa innanzitutto una restituzione a se stessi e agli altri, della vita e dell’esistenza quotidiana? Quando è poetica, quando si arrende alla poesia come via del rifugio e si lascia dominare da essa. È accaduto nell’ultimo libro di Elio Pecora, che si annunzia dal titolo con discrezione, come un diario, ma con la premessa di quel “quasi” che ne limita il carattere personale di confessionabilità e ne accentua la segretezza. Tutto nasce da un desiderio di ordine, da parte di un poeta che ha attraversato e traversato il nostro tempo, sempre da testimone attivo, mai da fustigatore altero che, un giorno, lo dice lui stesso, si ritrova davanti ad una mole di quaderni, di appunti, di diari e viene preso da “una febbre illusoria” di ricomporre e ricostituire lacerti di pensieri e riflessioni, disseminati per anni lungo il cammino, “scaturiti da eventi quotidiani oltre che da letture e riletture”. Una sorta di operazione da “salva con nome”, da realizzare più mediante tagli, eliminazioni e omissioni, che mediante recuperi integrali e totali. È un viaggio, iniziato tempo fa, che continua e prosegue con soste cercate, non obbligate, per riconsiderare e apprezzare “quel poco” che si è ricevuto ma che in verità è “tanto”. Si, perché Elio Pecora è forse l’unico poeta dei nostri giorni che abbia capito come la felicità consista in quel poco che abbiamo, nel godere dell’istante e trattenerlo. Le soste in questo libro coincidono con le quattro sezioni che lo compongono: Pensieri incolori, Scoloriture apprezzabili (Quasi un diario), Citazioni, La poesia. Quattro sezioni dense di vita e di pensiero, nelle quali si evidenzia un andare incessante, “lungo i giorni e le notti guardando, attendendo, cercando”. A governare tale cammino c’è la scrittura, c’è la parola scritta che reca in sé una grande responsabilità, quella di “consegnare” agli altri l’invito a resistere, senza disperare, collocandosi fuori e lontano dall’immenso “chiacchierio” che caratterizza questo tempo. Il poeta che sin dalla giovinezza ha creduto nel dovere di “restare”, compiendo ciascuno con integrità morale il proprio compito, conferma nel libro “quasi diario”, che ripercorre e riassume la sua esistenza, il patto giovanile stretto con la poesia, di non abbandonare mai la via dell’onestà, un patto che discende da Leopardi e passa per Saba e Penna, seguendo la via del canto.

“Chi può in un’epoca come questa – si chiede il poeta – starsene abbarbicato a una totalità impossibile, inesplicabile? Già è sorprendente ritrovarsi in qualche frase, averla consegnata al sé stesso che forse la rileggerà”. È un modo per abbattere le barriere tra sé, gli altri e le cose, così come la poesia è la stanza alta e irraggiungibile nella quale il poeta se ne sta contento.

Il concetto della “stanza del poeta” è connaturato alla poesia di Pecora, questa stanza alta e irraggiungibile è la meta che ha sempre inseguito, un rifugio segreto, un altrove ove tutto acquista senso e significato. Il poeta si rapporta continuamente con tale stanza, che è anche interiore ed è solo da lì che riesce ad aprire le porte della mente e a tenere a bada le cose e gli altri, ad allontanare le ombre, come ad allontanare le tenebre dai sogni.

Entra nei giorni l’autore del diario e li affronta con umore diverso, ora cupo, ora allegro, persuadendosi che ordinare il disordine della vita, comporta difendersi dalle paure e accettare le insicurezze, liberando i propri bagagli del superfluo, per viaggiare leggero, come aveva capito anche Giorgio Caproni e poter tenere sempre a bada se stesso.

Il fatto è che nella lunga strada percorsa ha incontrato tanta gente, amici e non, moltissimi viandanti e con loro ha conversato, dialogato, intrecciato esperienze, che sono rimaste dentro di lui e non si possono cancellare, perché sono momenti di vita e di formazione.

Leggendo questi passi, che si succedono nel libro apparentemente senza un ordine cronologico, ma in realtà secondo un iter continuativo interiore, il lettore si accorge che al di sopra delle sezioni o capitoli, si configurano alcuni grandi temi, o meglio alcuni grandi valori che il poeta ha individuato nella sua esistenza e che hanno via via segnato delle tappe precise della sua moralità e del suo carattere: la regalità, l’invitta giovinezza, la bellezza, l’estraneità dell’io ingovernabile e il giardino, il tempo degli insicuri, la promessa di salute, l’onestà delle parole, il sogno della mente. Forse nemmeno lo stesso autore si rende conto che il suo quasi diario ha rintracciato inconsapevolmente una mappa del viaggio, ritrovando e riscoprendo tesori nascosti, che amabilmente restituisce a se stesso e a noi altri. Proviamo a conoscere meglio tali tesori, cominciando dalla regalità.

Che cos’è la regalità? Un atteggiamento? Un comportamento o un portamento? Un insieme di dignità, decoro e nobiltà d’animo, che caratterizza una persona speciale, una creatura che naturalmente può essere considerata al di sopra degli altri, non perché abbia un titolo, o discenda da una stirpe nobile, ma perché sa essere se stessa in ogni circostanza e ha saputo raggiungere un’altezza mentale che inevitabilmente la rende fuori dal comune. In sostanza un tale individuo consegue una sorta di primato che lo contraddistinguerà per sempre. I due esempi che Pecora porta, di Rodolfo Wilcock e di Sandro Penna, sono molto eloquenti: entrambi assoluti padroni di se stessi nella povertà in cui vivevano, non curandosi affatto di ciò che loro mancava, ma accettando il poco che avevano dal punto di vista materiale e tenendosi il tanto che avevano dal punto di vista mentale e spirituale. La loro grandezza consentiva di accostare il tanto e il poco, facendoseli bastare, mettendo sul medesimo piano i due estremi e controllando il vivere quotidiano con la disinvoltura e la forza di un re. La stanza caotica e misera di Penna non ne sminuiva la regalità, anzi l’accentuava, così come la squallida baracca di Wilcock non gli toglieva quel suo aspetto regale, nel gestire i propri giorni. In tutto questo è implicito il concetto che Pecora ha di come dovrebbe essere l’uomo, e come quell’alterezza e quella apparente superbia che a volte sembrano esserci in un individuo, altro non sono che aspetti della sua regalità.

L’invitta giovinezza. L’aggettivo “invitta” significa invincibile, ma anche non vinta, indomita, eroica, indomabile. Ora, che la giovinezza come migliore età dell’uomo sia invincibile, nel senso che finchè dura è forte, combattiva e non fiaccabile, è un dato di fatto, ma nel concetto poetico di Elio Pecora sembra che vada al di là di questo letterale significato, perché la giovinezza può essere non soltanto un’età, ma una condizione perenne dell’animo, custodita e mantenuta attraverso “lo stupore”, la capacità di stupirsi sempre, malgrado l’avanzare degli anni. È proprio qui sta l’invincibilità della giovinezza, che quando diviene uno status dell’animo, acquista una durata perenne e manda lampi, accende bagliori, fa guizzare raggi di luce, alimentando l’amore e l’innamoramento, mai paga di porre al centro delle cose il cuore. È il segreto della “giovanezza leopardiana” a cui è “germano” l’amore ed Elio, ripercorrendo la sua strada a ritroso, si accorge della invitta giovinezza che porta dentro di sé.

La bellezza. Nessun poeta ha mai ignorato la bellezza, tutti ne hanno fatto un obiettivo da raggiungere e contemplare nelle proprie opere, ma i modi di perseguire la bellezza e raggiungerla sono stati differenti. Elio Pecora si lascia sorprendere dalla bellezza e non la trova soltanto nella natura, nei colori, nei suoni, nelle forme spettacolari che ci circondano, che rappresentano gli aspetti più facili e più consueti da vedere, ma anche nel gesto di un padre che bacia i capelli d’oro del suo bimbo, o di un cagnolino che smette di guaire quando da dietro la porta sente fermarsi una persona che lo chiama e non lo fa sentire solo. In sostanza la bellezza non è solo apparenza esteriore, ma è commozione, tenerezza, purezza interiore ed è propria della poesia, perché è la poesia che si riconosce in lei, non viceversa. Questo accade di continuo nella poesia di Pecora che sfiora cose e situazioni, penetra persino nei piccoli esseri che abitano un giardino e ne coglie il fremito, trasformandolo in parola, per restituire in forma di vita quella bellezza nascosta e segreta.

L’estraneità dell’io ingovernabile e il giardino. L’uomo non si rende conto che il primo estraneo con cui deve avere a che fare è il proprio io, che lui crede di conoscere, ma in realtà è un perfetto estraneo, non soltanto per le reazioni inconsulte che spesso ha, delle quali lui stesso si stupisce, ma per il suo continuo alfieriano volere e disvolere, che rappresenta la parte più ingovernabile di sé. E dunque il poeta prova a governare l’io, scrivendo, aggiungendo, abbandonando alcune pagine, per poi riprenderle, come per un gioco ininterrotto, che si compie a latere, oltre le sciagure quotidiane di cui parlano i giornali, oltre le vicende d’ogni giorno, oltre l’infinito chiacchierio e pettegolezzo di cui son pieni i media. Poi, tornando nella sua casa-giardino, l’uomo ritrova la pace e il poeta ritrova la poesia, che è lì ad attenderlo tra i meravigliosi verdi, splendenti dopo la pioggia e le piccole rose spuntate forse per salutarlo. Questa casa lui l’ama, ma dovrà lasciarla, per tornare a Roma, città che lo incanta ma pure lo incatena, intanto nel giardino scrive qualcosa che “gli pare riuscito”, in quel giardino che “compensa le mancanze” e che “parla una lingua senza parole, indenne da ogni sviamento e balbettio”, le due cose dalle quali Pecora si è sempre tenuto lontano. L’io non è più estraneo a se stesso.

Il tempo degli insicuri. Che tempo è quello nostro, vorticoso e tremendo, che fugge, mentre noi vi stiamo dentro ed esso sta dentro di noi? Tutto corre, tutto precipita, gli anni, gli amori, la prestanza del corpo, mentre noi siamo “il sogno che chiamiamo vita”. Il poeta scopre che, anche se il tempo gli fugge addosso, egli ne avverte l’eternità, oltre alla caducità e alla provvisorietà, il tempo lo consuma, ed egli consuma il tempo. Noi cambiamo, ma siamo ancora quello che eravamo prima, diversi e uguali. Eppure se ci guardiamo intorno scorgiamo una folla di insicuri, chini sui cellulari, sugli ipad, a caccia di distrazioni, più che di notizie, con cui autoingannarsi e ingannare il tempo. Dai media si attendono certezze e giungono invece annunci di catastrofi, discorsi colmi di insulti, si schierano su fronti opposti, uomini da poco che vogliono tenere il potere e comandare il paese, senza saper nemmeno comandare a se stessi. In contrasto con tutto questo la pubblicità impazza mandando immagini di vita felice, di piaceri impagabili che inaugurano ogni nuovo mattino, di famiglie serene, di volti contenti, come se fuori regnasse una serenità sovrana e non ci fosse alcun pericolo. Bisognerebbe mettere ordine nel tempo, cercare soluzioni semplici per una realtà complessa che sarebbe da scomporre. Bisognerebbe avere una maggiore capacità di comprensione, smettere di autogiustificarci come facciamo, attribuendo agli altri ogni causa di male.

Una promessa di salute. Il poeta prova a risalire alla prima volta in cui la scrittura si “palesò”in lui e arriva così all’adolescenza, ove ritrova la “consegna” che gli fu fatta, quella della scrittura appunto, non per diventare un suo bene esclusivo, ma per essere una “restituzione”. Avvenne allora il mirabile patto: poichè aveva ricevuto questo talento, “quello che avrebbe scritto di suo, sarebbe stato tutto da consegnare a sua volta, a quanti sostassero anche solo per poco nelle sue paginette”. Da quel momento non ci fu mai la resa. Bisognava guardarsi per scrivere ed Elio lo fece, bisognava aver certezza di sapersi guardare ed egli l’ebbe, né gli sfuggì che quella consegna fosse una promessa di salute, una voglia ostinata di restare. Per un poeta che ha sempre creduto nella responsabilità di rimanere al proprio posto e di farsi bastare quello che si ha, “restare” è un dovere, un’avventura, come egli stesso la definisce, alla quale non ci si può sottrarre. Scrivere è il modo di restare nelle cose e nel mondo, ma non per una fama acquisita, bensì per una partecipata esistenza insieme agli altri e a questo punto interviene la poesia che va al di là dei suoni e delle parole, valica “il niente” e accenna al mistero.

L’onestà delle parole. Dell’onestà della poesia ha parlato Umberto Saba una volta per tutte. La poesia non può che essere onesta ed Elio Pecora, che dopo Saba e Penna ha portato avanti la linea del canto, ha fatto propria questa regola. “La poesia - egli dice - vigila sulla nettezza e sull’onestà delle parole”, la poesia significa “fare” e non può essere fatta da bugiardi. Pecora prende le distanze da tutto ciò che è falso e vuoto e quindi anche da una lingua che non sia viva e che non appartenga al tempo in cui ci troviamo. Nei tanti laboratori di poesia che ha tenuto in molte scuole italiane, uno dei punti su cui ha sempre insistito è stato il richiamo ad adoperare la lingua vera, dell’oggi, non del passato, come purtroppo alcuni tendono a fare credendo di conferire così una patina di aulicità ai loro versi e realizzando invece patetici svolazzi ottocenteschi. Il che non significa mancanza di eleganza, anzi, la lingua mantenendo la sua attualità di suono e di senso, raggiunge una dignità e compostezza che direttamente le assegna un tono alto e raffinato, ma soprattutto un’onestà di espressione.

Il sogno della mente. La poesia può toccare degli eccessi, accendersi e slargarsi in mille significati, ma deve sempre essere vigilata dalla ragione, per non rimanere solo un sogno della mente. Per questo la poesia deve essere disposta alla rinuncia e all’assenza e in merito a questo è assai valido il riferimento che Elio fa ad Orfeo, la cui testa, pur smembrata dalle Menadi, continua a cantare, e il suo è un canto di rinuncia e di assenza. Via dunque le chiacchiere, vada lontano ogni mormorio rumoroso dalla poesia, perché essa non vuole mostrarsi, non vuole ignorare le sconfitte, né affermarsi a qualsiasi costo! Sottovoce si confronta con i grandi, si autocensura, denuncia la menzogna, ma resiste alla sconfitta e al dolore. Molti gli esempi portati in questo libro da Pecora, specie nella sezione intitolata Citazioni, ove sono chiamati in causa i poeti più famosi, dai classici ai padri spirituali, della poesia del Novecento e del Duemila, testimoni di una intermittenza del cuore e di un unico, medesimo sogno della mente.

In definitiva il libro è percorso da un brivido che giunge fino a noi lettori, nel sentirci coinvolti in un itinerario umano che è nostro, che è di tutti, perché apparteniamo ad un universo che crediamo divino, in cui nasciamo e poi moriamo scomparendo, ma dopo essere stati parte integrante del mistero della vita. Il brivido che avvertiamo muove dalla poesia di Elio Pecora, che pervade la limpida e commossa prosa di questo libro, mutandola in una narrazione poematica con un suo singolare andamento lirico.

In questa silloge di venticinque poesie, nuova di stampa e da un titolo così fresco e originale, l’autrice disegna una spirale avvolgente, che parte dal desiderio dell’amore e torna al desiderio dell’amore, attraversandolo in tutti i suoi vari aspetti: l’affetto per i cari, la nostalgia dell’amato perduto, la tenerezza per la natura e gli animali, l’intenso ricordo di un’amicizia, il rimpianto per chi non c’è più, ma le ha lasciato un bene prezioso da custodire. La poesia, come parola riincarnata nel sentimento e concentrata nelle immagini, diventa nutrimento costante, che s’accompagna alla memoria e alla ricerca mai esausta, di riportare indietro dal tempo e dal passato, tutto ciò che è stato vissuto con pienezza e che merita quindi di essere salvato. Frequente il ricorso a termini come cielo, nuvole, acqua, sole, profumo, a conferma che proprio dallo scenario naturale lei attinga il suo vocabolario e i suoi colori, assetata di chiarezza e di luce, così come è assetata di corrispondenza di sensi. L’animo non arretra di fronte al dramma della morte e alle difficoltà dell’esistenza, ne prende coscienza e fa forza su di sé per andare avanti, per continuare il tragitto, malgrado le perdite e le delusioni, intuendo che al di là di tutto c’è una ratio impossibile da comprendere ma che trascende le tragedie della vita e rende quest’ultima degna di essere percorsa fino in fondo, con responsabilità. Lo sguardo si perde verso l’orizzonte, dove si compie il bacio eterno tra mare e cielo, il cuore si tinge di cielo, perché volutamente il poeta apre la sua disponibiltà alla speranza, le paure vengono polverizzate, la persona amata che è andata via, si ritrova nella voce di un bambino, o nella pioggia che irrora il terreno, non sulla gelida lapide, mentre si compie perfettamente la restituzione dell’assente al presente, grazie al “salva con nome” che solo la poesia può realizzare. Le parole, dunque, e i verbi in particolare, diventano parole chiavi, strumenti che creano campi semantici intorno all’amore. Il peso della sofferenza si smaterializza, diventa leggero, gli stracci di stoffa si trasformano in candida seta, la distanza incolmabile viene superata, l’ardore spentosi nell’ira, si placa, l’abbandono viene perdonato, il rancore è dimenticato. Ed è questa la cifra etica della Pugliese, la capacità di guardare agli altri e al prossimo ancora con pietas, nonostante il male ricevuto. E qui le soccorre il suo fedele amico cane, che ha la capacità di esprimere con la coda e con il movimento dei fianchi, la gioia che prova nello stare con la gente, o quando avverte rabbia e tenerezza. Nessuno ha la devozione che può avere un tale amico. La penna è il mezzo per i poeti per rappresentare i propri sentimenti, gli umori, le sensazioni, quasi una carezza da rimandare alle anime. Nella circolarità che lo contraddistingue, il libro si offre come un medicamentum per l’infelicità, un’erba medica quasi, che attenua, lenisce, conforta le ferite e impedisce loro di diventare piaghe. Per essere inoltre un’opera prima di poesia, rivela da parte dell’autrice un sapiente e sensibile utilizzo del linguaggio e della metrica: è stato scelto il metro libero, ma c’è un controllo rigoroso dell’armonia e della quantità in ogni singolo verso; spesso è adoperata la quartina che qualche volta, in combinazione con la terzina, genera lo schema del sonetto. Ogni lirica freme comunque di ansia di bellezza e di affetto, vibra di una tensione interiore verso il bene e si propone come sintesi di un pensiero poetante che non dà nulla per scontato, ma chiede in cambio una partecipazione autentica. 

Può un romanzo scegliere e proporre come mappa di orientamento l’erotismo? Può una tale mappa essere quella più attendibile per capire l’esistenza e trovare la propria identità, non solo sessuale, ma civile e morale? Se vi sono dubbi in merito a ciò, basterà leggere il recente romanzo di Giuliano Brenna che si offre al lettore in tutta la sua spudorata e sorridente franchezza, raccontando una storia giovanile, leggera e appassionata, con quel tanto di suggestiva patina antica che le viene dal passato, per di più da un passato ottocentesco.

Ambientata nella contea di Dorset, in Inghilterra, nel contesto di un affascinante paesaggio di boschi e colline, che circondano sontuose dimore nobiliari, si svolge la storia del protagonista, Briscoe Hall, poco più che ventenne, negli anni del puritanesimo vittoriano che alimentava la vita e la condizione di ogni famiglia inglese. Il giovane, alla ricerca di una sua autonomia e indipendenza dal nucleo familiare d’origine, compirà un vero e proprio cammino di formazione, al termine del quale non soltanto scoprirà e troverà se stesso, ma incontrerà l’amore.

Muovendosi in una società e in una realtà dove vige una profonda differenza di classe, tra ricchi e poveri e tra padroni e servi, molto spesso esperimenterà a sue spese l’autoritarismo dei forti sui deboli, esercitato anche attraverso la tirannia del sesso. Ed è infatti il piacere sessuale l’asse di equilibrio, o potremmo dire il perno, intorno a cui ruota l’intera vicenda del romanzo, che viene continuamente spinta e lanciata in una dimensione erotica di climax ascendente, conducendo lo stesso lettore ad una tensione emotiva fortissima.

È in gioco un’elaborazione linguistica straordinaria che consente all’autore di gestire le dettagliate descrizioni di ogni singolo momento erotico, non soltanto con un registro di alta tonalità  espressiva, ma anche con una qual certa ironia scherzosa che tende a trasformare le fasi della salita del piacere sessuale, in un orgasmo verbale che si scarica sulla parola e la allarga in campi semantici ampi e onomatopeici ( si pensi al verbo “titillare” usato frequentemente col significato di “solleticare”). Va detto, innanzi tutto, che a trionfare nelle pagine è l’omosessualità, come rapporto sentimentale più autentico, sia dal punto di vista della sensibilità, sia da quello della bellezza corporea, che viene presentata come esempio perfetto di virilità e prestanza, nel fulgore dell’età giovanile, ma che lascia un credito anche nell’età più matura, come dimostrano le storie incrociate dei personaggi: il bellissimo Briscoe, il forte e atletico Liam, il visconte Clifton, ma anche il maturo Conte, il maggiordomo Fillmore, l’esperto e rude fabbro Toby . È come se nel giro e nell’intreccio di queste vite, si realizzasse un’iniziazione continua al rito del piacere, che però include l’innamoramento e l’amore, anche se nel primo impatto di questi rapporti, potrebbe sembrare che i due elementi siano di secondaria importanza. Specialmente gli episodi che riguardano il conte e sua moglie, sono una spia per scoprire la noia e la monotonia dei normali legami matrimoniali, che attanaglia non soltanto gli uomini, ma anche le donne. In questo mondo che sembra così immutabile nella vecchia contea inglese, all’interno delle case delle migliori famiglie, apparentemente unite e felici, si consumano storie ormai trite di matrimoni, forse avvenuti per convenienza, in cui si è logorato lentamente e consunto l’amore iniziale, (se mai c’è stato) e si è giunti alla totale scomparsa del piacere dalla vita sessuale individuale. Dal che la ricerca da parte non solo degli uomini, ma anche delle donne (e con che foga da parte di quest’ultime) di nuove esperienze di piacere, nuovi giochi erotici, che valgano a riempire il vuoto della routine quotidiana.

Come non intravedere in tutto questo una sorta di denuncia del perbenismo e un capovolgimento della comune concezione del rapporto di coppia? I due personaggi femminili più esposti sono indubbiamente la moglie del Conte e la figlia Claribel, entrambe assetate di piacere, sebbene in apparenza pudiche e costumate, ed è importante la loro differenza d’età, che mette bene in risalto, come per l’appetito sessuale, non contino gli anni.

A fare da sfondo allo scorrere delle esperienze e degli incontri erotici, c’è uno scenario meraviglioso, in cui domina una natura incontaminata, attraversata da fiumi, che in alcuni momenti assumono quasi una valenza metaforica. Presso un fiume Briscoe ha ricevuto la sua prima sconfitta amorosa e presso un fiume ( il Nadder dall’acqua gelida) ritrova il suo nuovo amore. E poi vi sono le cavalcate, in mezzo alle radure e ai boschi, l’amore per i cavalli, quasi alleati dei giovani che si slanciano verso l’avvenire e la descrizione, sempre dettagliata ed elegante, di questa terra del Dorset, così lontana dai rumori della city, ma così pervasa dalle idee del vittorianesimo imperante.

Dunque, piacere, desiderio, sessualità sono le tre corde portanti del romanzo, nonché le tre coordinate di una nuova topografia esistenziale, che l’autore disegna con la sua raffinata prosa, ma che soprattutto cerca di affrancare da pregiudizi e considerazioni distorte e poi c’è la contemplazione della bellezza, non soltanto della natura ma del corpo dell’uomo, la cui rappresentazione diviene quasi michelangiolesca, man mano che il “modello” maschile, riprodotto in alcune figure, in particolare in quella di Briscoe, si afferma nella vicenda come prototipo dell’essere da desiderare e amare.

L’altra novità assoluta di questo romanzo è che l’autore nemmeno per un momento si è posto limiti morali, giudicandoli sicuramente ipocriti. Infatti mai i personaggi si lasciano guidare nelle loro scelte e nelle loro azioni da valutazione di carattere moralistico, giudicando il proprio comportamento sempre in modo naturale e umano. Mi spiego meglio: ogni atteggiamento erotico non è visto come una trasgressione o come una perversione dell’io, bensì come una spontanea risposta del corpo alle pulsioni naturali dell’uomo. Così si rivede e si corregge l’intera produzione letteraria erotica, che non può più essere considerata soltanto un divertissement, ma un codice nuovo per vivere totalmente la propria identità sessuale.

Altri grandi scrittori hanno battuto questa strada, pensiamo a Moravia che fece del sesso lo specimen per guardare all’esistenza e capire l’interiorità dell’uomo. Qui Brenna lancia la sua sfida, e lo fa in maniera scherzosa, volutamente esagerata a volte, mantenendo sempre la guardia di un regime linguistico che esige tatto e prudenza, che deve evitare eccessi e sproporzioni e ci riesce benissimo, grazie anche alla estrema raffinatezza della sua scrittura, che non scade mai nel volgare.

Una componente dell’erotismo, assai singolare, si estende sul cibo, in tutte quelle pagine che descrivono la preparazione dei pranzi all’interno delle case, soprattutto in quella del Conte. La cura con cui si parla degli alimenti, l’atmosfera degli interni delle cucine, i momenti dedicati alla cottura, o alla farcitura delle prede catturate durante la caccia, passatempo primo dei signori, sono tutti particolari che contribuiscono a diffondere sapori e odori che a chi legge pare quasi di avvertire e anche questo fa parte della sensualità e del piacere erotico, largamente diffusi nella narrazione.

Emblematico è inoltre il racconto che riguarda l’amico di Briscoe, Willy, il primo amore e la prima perdita, perché nella scelta che questo ragazzo fa, di rinunciare alla sua vera identità, per sposare una donna che non ama, in ossequio alle convenzioni sociali, c’è la condanna alla falsa moralità e la deprecazione del sacrificio della propria libertà nel rispetto di una società falsa e ipocrita.

È la libertà l’altro grande tema del romanzo, un tema serpeggiante dall’inizio alla fine, una libertà totale, che non si può affermare sul piano civile, se prima non si afferma sul piano personale e individuale, come affermazione del diritto di vivere secondo la propria natura e la propria sessualità, che è poi il diritto di essere uomini.

In definitiva il romanzo reca un suo messaggio sostanziale, che è il rispetto per l’altro, l’assoluzione piena del piacere non più considerato come un peccato, ma come veicolo naturale dell’amore e della propria individualità, è una celebrazione del corpo, non più visto come gabbia dello spirito, ma come la forma entro cui stare nel mondo, quella forma senza della quale non si può scoprire l’anima. In tal senso è illuminante l’espressione di Proust posta in esergo al libro:

Mare degli occhi navigammo nelle tue limpide acque

Il desiderio gonfiava le nostre vele rappezzate

partivamo dimentichi delle tempeste passate

sopra gli sguardi alla scoperta delle anime

Dal suo vasto campo poetico, che non conosce periodi di maggese, perché perennemente seminato e coltivato, Giulia Perroni ha raccolto per il suo ultimo libro una copiosissima messe di versi, di periodi musicali, di strofe anomale ma originali, componendo un ampio disegno, che si offre al lettore come un nuovo e romanzesco genere letterario. Meglio sarebbe dire che ci ha regalato un romanzo poematico in cui un inarrestabile e immane discorso lirico si dispiega come un fiume, che a salti, per rapide e gorgoglianti cascate di parole, scorre secondo un circuito preciso, dando forma alla vita, ai sogni, ai desideri, ma anche alla morte e alle tragedie quotidiane, unitamente ad una serie infinita di perdite e di illusori ritrovamenti. C’è tutto il mondo privato dell’autrice e c’è il mondo circostante, con i suoi bagliori, con le sue paure, con i suoi ineluttabili condizionamenti. Il sostrato è un back ground culturale assai ricco, in cui si riconoscono ascendenze letterarie inconfondibili, da Emily Dickinson (alla quale si deve il titolo), a Ezra Pound e ad altri autori, la cui frequentazione ha formato e influenzato la Perroni. L’autrice nelle note finali al testo avverte che è ben consapevole che il suo io si mescoli a qualche personaggio, entrando e uscendo da esso, ma aggiunge che tutto questo avviene “non senza un’intrinseca ragionevolezza”. E infatti quel diluvio di versi che attraversa il libro, sarebbe farneticante e irrazionale, se non scaturisse da un’osservazione sempre attenta e circospetta della realtà e della propria interiorità, un’osservazione fatta non solo di sguardi penetranti e indagatori, come sa avere colei che nello Scoiattolo e l’ermellino, fissa ed individua una perpetua icona (la Dama con l’ermellino appunto) che ci guarda dall’al di là dell’arte. Tale osservazione è però integrata da una straordinaria capacità di ascolto delle persone e delle cose che sono intorno a noi. Già un’altra volta affermai che ciò che Giulia vede e sente si trasforma in versi, tanto che con Ovidio potrebbe dire quod tentabam scribere versus erat; ora direi che ciò che pensa viene pensato in versi. Lo dimostra la particolarissima disposizione dei suoi versi in questo libro, in alcune pagine in particolare, dove, quasi disarticolati l’uno dall’altro, con intervalli anche di spazio, si rincorrono, come inseguendo un’immagine, come volendo afferrare un’idea, per poco trattenuta e rivelata e subito poi nascosta e superata da altre. Assonanze, rime e ritmi si succedono vertiginosamente creando l’effetto silvae che ben ha segnalato Marcello Carlino nell’ottima sua prefazione all’opera, con riferimento sì alle Silvae di Stazio, ma essenzialmente all’intrico inestricabile e sapiente di pensieri, sensazioni, azioni, storia pubblica e privata, geografia di luoghi e di sentimenti, in un flusso di coscienza vorticoso che si guida da solo tra gli anfratti della poesia.

Dicevamo prima che il titolo nasce da un verso della Dickinson che ritroviamo in una poesia inviata per lettera a Susan Gilbert, sua cognata, moglie del fratello Austin, ma anche sua migliore amica, alla quale spesso inviava liriche chiedendo un parere e un giudizio. La lettera risale al 1859 ed Emily esordisce chiedendo se i versi che le sta inviando siano gelidi: (da The letters lettera n. 238 D)

Springs-shake the Sills-                                         Primavere scuotono le soglie

But the Echoes-stiffen                                          ma - gli echi resistono –

Hoos - is the window -                                         Canuta - è la finestra – e

Numb – the door -                                               torpida – la porta

Tribes of Eclipses – in tents                                  Tribù d’eclissi – in tende

Of marble                                                             di marmo

Staples of Ages – have                                          Ganci di secoli – sono

Pucked – there -                                                    fissati là.

È ovvio che il significato che la Dickinson dà a Tribù d’eclissi è assai diverso da quello che la Perroni intende esprimere, perché la poetessa americana allude a una certa memoria mitica di quegli antichi che assistevano all’eclisse con spavento, quasi fosse un evento divino, mentre nella nostra poetessa la memoria mitica è rimossa e assente, laddove invece è presente la storia. Si guarda alla Sicilia, e al Meridione in particolare, si allude alle questioni sociali attuali, alle piaghe del nostro tempo, sempre con un’incredibile percezione del dolore e della sofferenza altrui, da parte dell’autrice.

Procedendo spesso per ossimori, tra ombre e luci, chiaroscuri e luminescenze, traspare la realtà contemporanea, con tutte le sue inquietudini e le sue contraddizioni, eppure rifulgono improvvise accensioni stagionali, di primavere e di estati, tra colori e profumi che la poetessa custodisce e serba nel segreto delle sue memorie. Si affacciano talora personaggi, alcuni dei quali non ci sono più, ma hanno esorcizzato la morte e ricompaiono sulla soglia del tempo, in un tentativo di eternità.

In questa ininterrotta confessione di vita vissuta e di poesia pensata, non è facile, né agevole, muoversi per il lettore, che si trova a dover percorrere un terreno accidentato, senza grucce, né aiuti, a meno di non voler immergersi totalmente nel flusso delle parole, lasciandosi trasportare come da folgorazioni di immagini. Infatti è così che si presentano i versi, specie quelli singoli, spaziati dagli altri, come momenti inafferabili, attimi da godere nel suono e nella visività, senza tentare di ricomporli in un tempo unitario. Ci scorrono dinnanzi, nomi, eventi, fatti, temi che a volte appaiono opprimenti nella contemporaneità che li genera; vi sono macerie che la poesia raccoglie e tenta di assemblare, vi sono infiniti rimandi agli orrendi naufragi nel mediterraneo, ma vi sono anche case, di cui è dolce il ricordo, notti di stelle, o giardini fioriti, persone care e volti amati.  Si tratta di un lunghissimo monologo interiore che il prefatore definisce oratio soluta nel corso della quale ciò che spicca è la parola, usata come permanente veicolo del pensiero poetante e sempre in ossequio alla bellezza (termine che, com’è stato osservato da Carlino, ricorre assai frequentemente nel libro, come fosse una garanzia di salvezza e di riscatto nel buio dei tempi.

Accade inoltre qualche volta che i versi si raggruppino in strofe più normali e si compongano in un piccolo poemetto nel poema. Vediamone un esempio:

E tanto bella non ci fu altra mamma

non c’era mamma con due occhi verdi

un corpo piccolino sodo e stretto

d’ogni cosa portatrice in tenera abbondanza

di danaro padrona in sicurezza saggia nei giorni…

ma ogni cosa aveva l’ovale generoso del suo viso

che ha lasciato su me come un suo marchio

dio dalle sette balze di corona nel fiume degli inchiostri

Ma quale mostro nello specchio viene

per dire che io sola la frantumo?

Come il vento nel cuore dell’inverno

solo l’acero ha gridi di smeraldo

dentro al monte che suona

o al vento astrale del territorio fermo

Andavi con papà bella e leggera

brillava il tuo bracciale d’oro fino

ingentilito dal muschio delle pietre

Poi mi specchiavo ed io ero più bella,

perché nessuno mai mi rivelava

quel mio ovale perfetto

e i quattro sguardi incrociati nell’iride?

La vetrata lo specchio del giardino

era tutta in un magico perfetto

muta come un traliccio in soffio basso

di misura di tegole

Mamma così gentile come il cielo

che i gioielli officiavano in sereno

nel margine di un volto

“Io mi sentivo niente”.

La poesia continua ma fino a questo punto ci è sembrata una elegia alla madre, nel confronto con la quale, la figlia perde, si sente “niente”. Questo è solo uno dei tanti casi in cui dalla fiumana che scorre nel libro si stacca un poemetto a sé, si raduna un agglomerato di immagini che focalizzano un solo argomento, o meglio un solo vivo ricordo.

Non saprei se definire questo romanzo poematico un diario della memoria o più esattamente un libro della vita, perché l’autrice come tale lo scrive, quasi fosse un suo bisogno fisico di cercare “aria”, di raccontarsi e raccontare, per continuare ad esistere, di abbandonarsi alla poesia come all’unica luce che possa salvarla. E non c’è dubbio che Giulia Perroni cerchi la luce, lo ha fatto anche nelle precedenti sillogi, lo dichiara in questo libro quando dice:

Io ero intesa all’altezza

e le montagne mi chiamavano sempre

mi mancava la luce ed io soffrivo

e non sapevo mai perché soffrivo.

Io credo che un po’ la chiave della sua poesia stia in questa dichiarazione, chi è poeta soffre per mancanza di luce e finchè può cerca la luce.

Questo lavoro, così complesso, così stupefacente per la lingua diluviante e i versi-fiume, ci consegna una poesia della luce, una poesia non velleitaria, che non consola, né conforta, ma che illumina e accende speranze, incoraggia i cuori.

Scrivendo questo libro, che ha fortemente sentito e voluto, la Graziosi ha compiuto un viaggio, fuori e dentro di sé, ripercorrendo tutti gli itinerari e i sentieri attraversati, per ritrovarsi e per capir meglio la sua vita. E’ questo del resto che fanno i poeti, ridisegnano l’esistenza e mentre penetrano e ricostruiscono quella propria, spalancano finestre su quella altrui. Il gioco della campana , o della rayuela, come si dice in argentino, è titolo ma anche metafora di questa silloge di poesie ed il lettore ne è avvertito sin dall’incipit, non solo dalle parole della stessa autrice nell’introduzione, ma dalla lirica di apertura che dando il via alla prima sezione dell’opera, Autobiografia, annuncia il viaggio, ne mostra le difficoltà e le sofferenze, con una serie di frammentazioni di immagini che si potrebbero definire folgorazioni della memoria, unico filo conduttore e guida del procedimento poetico. E’ la memoria, infatti che presiede alla scrittura, rintracciando i momenti del passato e ricomponendoli con una proustiana operazione di recupero, per restituirli ad un loro più autentico significato. Il segreto è volver ( verbo spagnolo che intitola la prima poesia), cioè tornare indietro, non per restare, ma per riandare con maggior sicurezza avanti. Il viaggio comincia lungo una mappa che ha evidenti segni da distinguere, come il mare, il dolore, la notte, la nave, canti di sirena e poi sole, vento, natura. Sono parole chiave che troveremo disseminate nelle liriche, quasi a mostrarci come il poeta non possa che immergersi nella natura, per cantare il suo paesaggio interiore. La realtà è sempre presente, una realtà da deformare, come dice in una poesia, o da modellare, che poi significa riedificare, vivificata di senso e avvalorata dall’esperienza. C’è anche una continua esigenza di riaffermare l’amore, come necessario e indispensabile, infatti leggiamo che non risorgerà chi non ha creduto nell’amore( in Valchirie) e ne sentiamo la forte mancanza nel verso inesorabili labbra spensero/ la coscienza dell’amore( in Verso casa) e ancora in messaggi d’amore mai scritti è quasi presente il rimpianto di non averlo dichiarato mai abbastanza questo amore. Lacrime, solitudine, sogni, accompagnano il percorso, ma c’è sempre la speranza di rinascere, di progettare, di arrivare alla terra promessa. Tutto è espresso in modo molto emblematico, mai scopertamente, perché l’autrice custodisce gelosamente i suoi segreti, li conserva serrati nel cuore e parla per immagini, lasciando intravedere solo frammenti delle sue lacerazioni e dei suoi sentimenti. C’è un pudore che sorveglia la lingua e la ancora a metafore, a simbolismi, a figure, mentre la parola inventa nuovi paesaggi da posare su pagine bianche ( in Scrittura). La prima sezione termina con la lirica Al sud che è in qualche modo la conclusione del viaggio iniziale, dall’Argentina, terra natia, al sud d’Italia dove la Graziosi ha trascorso l’adolescenza, tra la Sicilia e Napoli: adagio al sud/la mia anima nuova rende l’aspettativa di un nuovo e migliore domani. In sostanza tutta la prima sezione è un racconto accorato e sofferto della infanzia e di quel periodo che vide l’autrice transitare in territori diversi, dal sud America, al sud di Italia con il carico delle speranze, dei sogni e delle difficoltà che lei e la famiglia affrontarono. Ciò che sorprende è comunque la fiducia nell’avvenire e il profondo senso di attaccamento ai cari e alla terra, che le impedisce di perdere le persone amate e, grazie alla poesia, gliele fa sentire vicine e presenti. La seconda sezione del libro si intitola Malattia e si svolge in un tempo ingrato, caratterizzato appunto da una lunga e grave malattia. Il poeta non dice di che cosa si tratta ma racconta e rivede quell’iter angoscioso attraverso la trasfigurazione che solo la poesia sa operare. Inventa uno stratagemma, ben evidente nella lirica intitolata Mongolfiera, prova ad astrarsi e a rappresentare la sua condizione dal di fuori, come se il cuore fosse fuggito tra terra e cielo, in una mongolfiera per guardare stupito il mondo e fottersi di risate. L’espressione è molto forte, trasgressiva e denigratoria ma proprio per questo vale a sdrammatizzare il male e ad esorcizzarlo. La paura della malattia, però, non svanisce, rimane, specie di fronte a quelle impronunciabili parole con cui la malattia stessa viene denominata. C’è un’altra presenza accanto a lei, sorella nel dolore, nel cui abbraccio ripone il suo capo di allodola, felice e poetica metafora, che indica tutta la tenerezza e la debolezza della creatura, ma ancor più felice è il verso in cui si ammette che in quell’abbraccio l’angoscia non poteva arrivare a trovare le sue vittime. La terza sezione si intitola Amore e reca, in apertura, la lirica Rayuela. Siamo nel vivo del gioco della campana: la bambina ha già saltato con una gamba sola nelle caselle per inseguire il sasso che ha lanciato, è ormai nel bel mezzo della vita, ma deve tornare indietro, alla casella di partenza, per non perdere il giro e ritrovare se stessa e soprattutto per ritrovare l’amore, un amore aspettato, atteso, desiderato. Proseguono le immagini che frastagliano il pensiero in sequenze naturalistiche che catturano lo sguardo: c’è il finire del giorno, c’è l’approdo immaginario all’infinita quiete di un’isola, c’è un abbraccio che scioglie ogni paura (Al calar del sole). E prosegue il flash back lungo i giorni trascorsi di un autunno in cui si scioglie una canzone a due voci, mentre il cammino va avanti insieme per scongiurare la meta, con un passo a due che conforta e dà coraggio. Il ritrovamento del compagno viene ad un tratto arditamente paragonato al momento in cui avverrà il ritrovamento da parte della morte, con dolcezza, come se anche la morte le dovesse mettere una mano sulla spalla, come ha fatto il compagno e dirle “ti ho trovata”. Sono versi che scolpiscono gli stati d’animo, li scandagliano impietosamente rappresentandoli con colori e suoni. L’amore per esempio viene paragonato ad un boato (nella lirica Questo amore) per l’esplosione di gioia e di passione che suscita, le giornate acquistano consistenza, cioè calore, odore e sapore soltanto se condivise con chi si ama; e ancora la bocca amata diviene una rosa e il poeta sente le ore cantare. Si avverte qua e là l’influenza della poesia di Prevert a cui l’autrice rende omaggio, ma soprattutto si sente il bisogno di condivisione, di stare insieme, di incontrarsi. Parole chiave sono calore, assieme, viaggio, corpi, ancora allodola. L’ultima sezione si intitola Intorno a me perché siamo all’oggi, al mondo circostante che c’è intorno al poeta, il gioco della campana si sta concludendo, con una vittoria ed un traguardo, il sasso è ancora inseguito, ma la bambina che lo ha lanciato non è più sola. Intorno ci sono persone amate, alcune delle quali scomparse come l’amica che appare nella prima poesia (Sandra) o il giovane ucciso a Monaco di Baviera, o Lorenzo che cade in un incidente stradale, tuttavia non c’è disperazione, dolore sì, ma lenito dalla certezza che il mattino possa far luce, nella solitudine ( si legga Giunchi). Ed è evidente in quest’ultima parte del libro che l’autrice parteggia per le donne, stima lo spirito femminile e lo crede invincibile: un dono ci rende regine……fatte d’amore/non temiamo la morte/ ci precedono angeli in cielo. Che altro c’è intorno? C’è la babelica Roma, il territorio in cui la Graziosi è approdata definitivamente dopo il suo lungo peregrinare, una città disincantata, colma di contraddizione, affollata, eppure lei ci vive, protesa verso un dio nascosto. Un altro omaggio ad un poeta letto ed amato è quello a Saint – Exupery, segno che la lunga frequentazione della poesia, viene anche da letture care e predilette: rosa, dolcissima rosa/pungesti le dita/ del poeta. Poi, di nuovo, uno sguardo di commiserazione alla precarietà umana, del mondo e della storia; i resti maestosi dell’impero, nello scenario romano, sovrastano la pochezza degli individui, la loro inconsapevolezza, dinnanzi alla quale il poeta è certo che le nostre idee non voleranno oltre questo cielo. Il libro si avvia alla conclusione, il gioco della campana sta per finire definitivamente, la bambina ha saltato tutti i quadrati, rincorrendo il sasso con bravura, pur su di una gamba sola. Si è difesa dalla vita, ha recuperato il tempo perduto, ha salvato l’amore, ha riannodato i fili della sua esistenza, ha incontrato un’altra se stessa, come dice in Rinascere, una se stessa che è rinata con ali di farfalla. Ora lo skyline che ha di fronte è completamente diverso, sembra quello delle case che si specchiano dalla collina nell’acqua, ma in verità è il confine e il limite di noi stessi che il poeta vede, di noi uomini né ignari mitili, e quindi ben consapevoli del destino mortale, né eterni fossili e quindi consci di non poter durare eternamente. Chiudono la raccolta due liriche assai emblematiche, Incantesimo e Compleanno. La prima fa pensare alla magia della parola poetica che copre la deforme realtà ed offre orizzonti di giada. Basterebbe riflettere su queste due espressioni per comprendere il potere salvifico della visione poetica che ogni cosa sa sostanziare di valore e di significato, creando un’immagine che ne idealizza la forma. La seconda ed ultima composizione, pur sembrando alludere ad una banalissima ricorrenza, quale può essere un compleanno, riassume l’intero percorso compiuto, nella vita e in questo libro: una strada disseminata di sassi scalciati da piedi in corsa, una strada su cui l’onda del vento ha sollevato piumini evanescenti di pioppo, una strada che conta gli anni vissuti e che ancora può portare lontano. Ma per raggiungere la meta, per sentire l’eternità, il poeta ha bisogno dell’altro, che l’altro sia vicino ed è ancora una volta una scelta di condivisione che suggella il cammino. In definitiva il libro della Graziosi si connota per una sua grazia interna, per una lingua leggera ma sostenuta sempre da un saldo legame tra significante e significato, per un ritmo quasi elegiaco, che non nasce dalla rima, ma da assonanze e consonanze sonore, facilitate da un armonioso disegno strofico che privilegia l’accoppiamento dei versi, disposti in una sorta di distici anomali a verso libero. Riguardo ai temi si è visto che i principali sono il viaggio, il ritorno, l’amore, il dolore, la morte, temi che Borges riteneva fondamentali in poesia, perché insiti nella natura umana. Si potrebbe aggiungere il tema del gioco, che qui è quello della campana, come canovaccio di fondo, archetipo del gioco della vita e al tempo stesso trama sottesa della creazione poetica.

[ 14 novembre 1913 - 14 novembre 2013, cento anni dalla prima pubblicazione con l'editore francese Grasset di Du côté de chez Swann ]

Iniziando la lettura del primo libro della Recherche dobbiamo essere consapevoli che stiamo entrando in una cattedrale, la prima forse che la letteratura del Novecento ha visto innalzare, splendida e misteriosa, solenne e altissima, in nulla inferiore alle grandi cattedrali dell’architettura medioevale europea. Ne parlò Luc Fraisse nel suo saggio L’Oeuvre cathédrale (Paris 1990) e lo stesso Proust dice nelle ultime pagine del Temps retrouvé, che uno scrittore che volesse scrivere un’opera sull’idea del tempo, dovrebbe prepararla “minutieusement.….le costruire comme une église” Dobbiamo quindi entrarvi da iniziati, spogliandoci di ogni pregiudizio critico, riconoscendo religiosamente che questo capolavoro non ha precedenti e non ha epigoni. Ognuno di noi pronunci dunque la frase di rito “Odi profanum vulgus et arceo” e si incammini in questo tempio della parola, che ha fatto crollare le fondamenta del romanzo tradizionale e ha destabilizzato tutte le regole e i canoni della narrativa. Qui domina sovrano il tempo, unico protagonista di un infinito racconto che ha, come solo strumento, la memoria e come oggetto centrale di studio il cuore dell’uomo. La mappa da seguire per percorrere il tracciato interno di questa cattedrale è piuttosto complicata, un intrico di figure che si sovrappongono in ogni persona che incontriamo, una trama invisibile di situazioni reali e immaginarie che si intrecciano di continuo, sotto lo sguardo indagatore di chi scrive, simile ad un navigatore solitario per un oceano senza confini. Come osservò Carlo Bo nella sua illuminante prefazione al primo volume dell’opera proustiana, nell’edizione dei Meridiani, Marcel “partito per raccontare le esperienze della propria vita, si è trovato a poco a poco a investire altri domini e a trasformare la realtà in una filosofia dell’esistenza”. Non era privo di bagaglio nell’intraprendere quel viaggio in mare aperto, aveva con sé le sue letture, l’inattaccabile tradizione del romanzo naturalista, la conoscenza del mondo dell’arte pittorica, specialmente attraverso la frequentazione di Ruskin, il critico d’arte inglese che per un lungo periodo Proust considerò suo maestro, dopo aver letto il libro di Robert La Sizeranne Ruskin et la religion de la Beauté. Sentiva di poter condividere il concetto espresso da Ruskin della bellezza come entità a se stante, essendo un assetato di valori assoluti e nella prefazione alla Bible d’Amiens, di cui fece nel 1904 una splendida versione, mostrò tutta la sua approvazione di quella teoria. Ma ciò durò solo fino a quando si rese conto che Ruskin, apparentemente oppositore degli esteti, era lui stesso un esteta, anzi un idolatra, pronto a sottomettere l’etica all’estetica. Proust, dotato di una sensibilità raffinatissima, che certo gli proveniva dalla sua diversità, si preparò attraverso una ricca esperienza di letture, al suo grande lavoro. Il metodo della lettura, le “giornate di lettura”, come egli stesso le descrive, furono già la prefigurazione del suo modo di raccontare e del suo stile di narratore. Quella tendenza a distaccarsi da tutto e da tutti, quando leggeva, quella capacità di uscire dal flusso degli avvenimenti circostanti, per vivere in un mondo e in un clima chiusi nella profondità del suo animo, quella trasformazione continua che operava della nozione di realtà, erano già i sintomi di quella che sarebbe stata la sua febbre di scrittore proiettato a far rientrare nelle pagine di un’opera vastissima, la sua ricerca del tempo perduto, per innalzare sulla precarietà e la fallacia della vita, le colonne di una costruzione imperitura, destinata a durare per sempre.

[ Dall'introduzione al romanzo Du côté de chez Swann pubblicato in eBook, scaricalo gratis e continua a leggere da pagina 5... ]

QUANTI DI POESIA
Antologia a cura di Roberto Maggiani


C’è chi cerca spazio per la propria poesia e chi crea spazio per la poesia: Roberto Maggiani, insieme a pochi altri, è tra coloro che creano spazio per i poeti, offrendo loro un “dove” pubblicare i propri testi; lo fa con la rivista on line La Recherche e lo ha fatto con questo “Quaderno di poesia” che ospita le voci di otto poeti, con un impianto fotografico originalissimo, aggiunto da suo fratello Paolo. Nella sua ormai dichiarata e codificata ricerca del nesso tra scienza e poesia, Roberto questa volta si appoggia alla teoria di Planck e alla fisica quantistica, osando quasi parafrasarne il linguaggio e le ipotesi, annoverando cioè la poesia tra i fenomeni che non si possono inquadrare in nessuna categoria determinata, al pari di alcuni fenomeni della fisica, quali l’energia elettromagnetica che si comporta come se fosse emessa ed assorbita per “quanti”. Le voci dei poeti qui raccolte, divengono in tal modo “quanti di poesia” e perciò inafferrabili completamente, assimilandosi sempre più a quelle cifre nascoste di una scrittura straordinaria che Novalis intuì per primo. Maggiani lo spiega nella prefazione, quando manifesta la sua intenzione di dare, con questa antologia, “avvio ad una ricerca poetica fondata su nuovi paradigmi scaturenti da una sorta di principio di indeterminazione tra senso della visione e parola”
E’ vero che la parola non può mai del tutto rendere ed esprimere una visione, perché contiene un’impotenza, che è avvertita dal poeta, benché si sforzi, per dirla con Dante, di adeguare “il posse e il velle”, ma è pur vero che la parola poetica, avendo un alto tasso di concentrazione, è l’unica che possa cogliere e penetrare i recessi più reconditi del reale. Più è determinata e precisa e meno comunica l’intuizione del poeta, più è indeterminata e vaga, più consente, a chi legge, di avvicinarsi a ciò che il poeta intendeva rappresentare. Il “vago” e “indefinito” di cui parlò Leopardi, sono elementi fondamentali nella poesia, che escludendo la determinazione precisa di una visione reale, (si pensi alla “siepe” che il “guardo esclude”) consentono di spingere al massimo l’immaginazione e di avvertire l’infinito. Ed è questa l’indeterminazione di senso a cui fa cenno Maggiani, presente in misura diversa, nel poeta e nel lettore, ma nel primo risolta con la consapevolezza piena di ciò che egli intendeva dire, nel secondo invece, irrisolta, per il fatto stesso che egli è persona diversa dal poeta e come tale, intende, sente e si emoziona, differentemente.
I “Quanti di poesia” sono per Maggiani i “ mediatori” del campo poetico, i “veicolatori” della parola poetica, attraverso i quali, sensazioni, intuizioni e percezioni del poeta divengono reali e comunicano quel “significato altro” del mondo che soltanto il poeta riesce a cogliere e che costituiscono “la cifra nascosta di una scrittura straordinaria”. In questa antologia, si affacciano, l’uno accanto all’altro, i quanti di poesia, rilevati e composti da otto poeti che si sono messi alla prova, accettando una sfida. Essi rispondono a domande di un’intervista estesa a tutti, in cui chiariscono che cosa sia la loro poesia, da quali atomi del reale potrebbe giungere, se fosse un “quanto” di luce e infine a che cosa serva la poesia oggi. Si viene così a disegnare una mappa, che per itinerari diversi, ma tendenti alla medesima meta, l’illuminazione della realtà, spiega ed esplicita la funzione della poesia, come vita altra che si intreccia alla vita reale e ne aiuta a comprendere il senso e il valore.
Avviene dunque che la voce poetica diviene un angelo assetato, caduto nella cisterna, nella poesia di Franca Alaimo, o desiderio di restare, mano nella mano, sulla terra, malgrado il tempo porti via tutto, nella poesia di Anna Belzorovitch, o tentativo di connettere tra loro le cose esistenti e di stabilire una relazione tra il conosciuto e l’ignoto, negli aforismi di Franco Buffoni, oppure dialogo tra l’io e il sé, ma anche assoluzione delle colpe, canto nel sogno, cattura dell’universo, nella voce di Salvatore Contessini. E ancora la poesia si fa interpretazione della vita nei versi di Francesco De Girolamo, lunghi, affastellati con ritmo serrato, di grande efficacia espressiva, si spezza e si frantuma invece nelle strofe brevi e guizzanti di Giacomo Leronni,, animate dalla voglia di decodificare la realtà, di capire la disperazione e il dolore, di dare un nome alle forme; la poesia si fa “stupore cromatico”, in Eugenio Nastasi, senza pretendere di razionalizzare, o spiegare le cose, ma semplicemente dando loro un nome, per raccoglierle, insieme, all’interno del cerchio poetico e ristabilire l’armonia di “un istante di pupille che si illuminano” e nella voce di Loredana Savelli , così sommessa, così pregna di umiltà e di senso dell’insufficienza, la parola poetica tenta un viaggio di luce, si identifica con la luce e compie l’avventura dei quanti, per rendere particelle di emozioni e comunicare un’estatica contemplazione della natura, pur nella precarietà del tempo (ci sfioriamo come foglie al vento) . A questo punto le otto voci si interrompono, essendosi ormai disposte all’interno di questo coro poematico, in cui ogni nota solista si annulla, per accordarsi indissolubilmente con le altre. L’antologia è conclusa, la suggella la fotografia di Paolo Maggiani, che scandisce la declinazione di questi quanti di poesia e li orchestra in un ordine sinfonico, in cui le immagini dell’acqua, della terra, di una roccia marmorea di Carrara, di un angolo di bosco, di un riflesso sull’asfalto, smerigliano la realtà e trasferiscono i quanti dall’uditività della parola poetica alla visività dell’arte fotografica.

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Se ne parla anche qui: http://www.robertomaggiani.it/pubblicazioni_curate.asp